A animação consiste em uma série de imagens estáticas apresentadas na sequência rápida para criar a ilusão de movimento. Existem várias maneiras de animar: desenho manualmente (flipbook), desenho e pintura sobre celulóide transparente, stop-motion ou usando um computador para criar imagens bidimensionais ou tridimensionais. Embora cada método use técnicas diferentes, todos os métodos de animação são baseados nos mesmos conceitos de como enganar os olhos.
Método 1
1
Decida se deseja se especializar em animação 2D ou 3D. A animação por computador facilita a realização bidimensional ou tridimensional do que fazer o trabalho manualmente. A animação tridimensional requer aprender habilidades adicionais além da animação. Você precisará aprender a acender uma cena e também como criar a ilusão de textura. [1]
2
Escolha o equipamento de computador certo. Quanto computador você precisa depende se você está fazendo animação em 2D ou 3D. Para a animação em 2D, um processador rápido é útil, mas não é absolutamente necessário. No entanto, obtenha um processador quad-core, se puder pagar e pelo menos um processador de núcleo duplo se estiver comprando um computador usado. Para a animação em 3D, no entanto, você deseja o processador mais rápido que pode pagar por causa de todo o trabalho de renderização que fará. Você também deseja ter uma quantidade significativa de memória para suportar esse processador. Você provavelmente gastará vários milhares de dólares em uma nova estação de trabalho de computador. [2] Para qualquer forma de animação, você deseja um monitor tão grande quanto a área de trabalho planejada pode acomodar e considere uma configuração de dois monitores se tiver várias janelas de programa orientadas a detalhes abertas de uma só vez. Alguns monitores, como o Cintiq, são projetados especificamente para animação. Você também deve considerar o uso de um tablet gráfico, um dispositivo de entrada conectado ao seu computador com uma superfície em que você desenha com uma caneta, como o Intuos Pro, no lugar de um mouse. Começando, você pode querer usar uma caneta mais barata para rastrear seus desenhos a lápis para transferir imagens para o seu computador. [3]
3
Escolha o software apropriado para o seu nível de habilidade. O software está disponível para animação em 2 e 3D, com opções baratas disponíveis para iniciantes e opções mais sofisticadas e mais caras para as quais você pode migrar à medida que seu orçamento e habilidade dirigem. Para a animação em 2D, você pode produzir imagens animadas rapidamente usando o Adobe Flash, com a ajuda de um dos muitos tutoriais gratuitos disponíveis. Quando você estiver pronto para aprender a animar o quadro a quadro, você pode usar um programa de gráficos como o Adobe Photoshop ou um programa que possui um recurso semelhante ao recurso da linha do tempo do Photoshop. Para a animação em 3D, você pode começar com programas gratuitos como o Blender e depois passar para programas mais sofisticados, como o Cinema 4D ou o Setor Standard, Autodesk Maya. [4]
4
Prática. Mergulhe no software que você escolheu usar, aprendendo a criar com ele e depois se sentar e criar animações próprias. Compile essas animações em um carretel de demonstração que você pode mostrar a outras pessoas, individualmente ou online. Ao explorar seu pacote de software de animação, dê uma olhada em “Parte três: criação de animação com caneta e tinta” se o seu software for para animação em 2D e “Parte quatro: criando animação de stop motion” para determinar quais partes do processo O software automatizará para você e quais partes você terá que fazer fora dele. Você pode postar vídeos em seu próprio site, que devem ser registrados em seu próprio nome ou no seu negócio. Você também pode postar em um site como o YouTube ou o Vimeo. O Vimeo permite que você altere qual vídeo você está postando sem alterar o link para ele, o que pode ser útil quando você criou sua última obra -prima. [5]
Método 2
Conceitos gerais de animação
1
Planeje a história que você deseja animar. Para animações simples, como um flipbook, você provavelmente pode planejar tudo na sua cabeça, mas para um trabalho mais complexo, você precisa criar um storyboard. Um storyboard se assemelha a uma história em quadrinhos de grandes dimensões, combinando palavras e imagens para resumir a história geral ou uma determinada parte dela. [6] Se sua animação usará personagens com aparências complicadas, você também precisará preparar folhas de modelo mostrando como elas aparecem em várias poses e comprimento total.
2
Decida que partes da sua história precisam ser animadas e quais partes podem permanecer estáticas. Geralmente não é necessário, ou econômico, ter todos os objetos da história que se movam para contar a história de maneira eficaz. Isso é chamado de animação limitada. [7] Para um desenho animado que descreve o Super -Homem voando, você pode mostrar apenas o Cabo do Man of Steel batendo e nuvens zunindo do primeiro plano para o fundo em um céu estático. Para um logotipo animado, você pode querer apenas o nome da empresa para chamar a atenção para ele e, em seguida, apenas por um número fixo de vezes, para que as pessoas possam ler o nome claramente. A animação limitada em desenhos animados tem a desvantagem de não parecer particularmente realista. Para desenhos animados direcionados a crianças pequenas, isso não é tão preocupante quanto em obras animadas destinadas a um público mais velho.
3
Determine quais partes da animação você pode fazer repetidamente. Certas ações podem ser divididas em renderizações seqüenciais que podem ser reutilizadas várias vezes em uma sequência de animação. [8] Essa sequência é chamada de loop. [9] As ações que podem ser loopadas incluem o seguinte: salto de bola. Andando/correndo. Movimento da boca (conversando). Corda de salto. Asa/capa batendo.
4
Você pode encontrar tutoriais para algumas dessas ações no site Angry Animator em http://www.angryanimator.com/word/tutorials/.
Método 3
Fazendo um FlipBook
1
Obtenha várias folhas de papel pelas quais você pode passar. Um flipbook consiste em várias folhas de papel, geralmente amarradas em uma borda, que cria a ilusão de movimento quando você entende a borda oposta com o polegar e vira as páginas. Quanto mais folhas de papel no flipbook, mais realista o movimento parece ser. (Um filme de ação ao vivo usa 24 quadros/imagens para cada segundo, enquanto a maioria dos desenhos animados usa 12.) Você pode tornar o livro real uma das várias maneiras: alimentos básicos ou ligados de digitação ou construção de papel. Use um bloco de notas. Use um bloco de notas pegajosas.
2
Crie as imagens individuais. Você pode fazer as imagens em sua animação de flipbook uma das várias maneiras: [10] desenhá -las manualmente. Se você fizer isso, comece com imagens simples (figuras) e fundos e gradualmente enfrente desenhos mais complexos. Você precisará tomar cuidado para que os fundos sejam consistentes de página para página para evitar uma aparência nervosa quando você virar as páginas. Fotografias. Você pode tirar várias fotos digitais, imprimi -las em folhas de papel e unir -as ou usar um aplicativo de software para criar um flipbook digital. É mais fácil fazer isso se sua câmera tiver um modo de imagem de explosão que permite tirar várias fotos enquanto segura o botão. Vídeo digital. Alguns casais recém-casados optam por criar flipbooks de tabela de café do casamento, usando uma parte do vídeo gravado durante o casamento. Extrair quadros de vídeo individuais requer o uso de um software de edição de computador e vídeo, e muitos casais optam por fazer upload de seus vídeos para empresas on -line, como FlipClips.com.
3
Monte as imagens juntas. Se você está desenhando as imagens em um bloco de notas já limitado, a assembléia é feita para você. Caso contrário, organize as imagens com a primeira imagem na parte inferior da pilha e a última imagem na parte superior e une as folhas. Você pode experimentar deixar de fora ou reorganizar algumas das imagens para fazer a animação parecer mais idiota ou alterar o padrão de animação antes de unir o livro.
4
Vire pelas páginas. Dobre as páginas para cima com o polegar e solte -as a uma velocidade uniforme. Você deve ver uma imagem em movimento. Os animadores de caneta e tinta usam uma técnica semelhante com desenhos preliminares antes de colorir e prender. Eles os deitaram um um em cima do outro, primeiro a durar, depois seguram uma das bordas enquanto passam pelos desenhos.
Método 4
Criando animação de caneta e tinta (CEL)
1
Prepare o storyboard. A maioria dos projetos de animação criados através da animação com caneta e tinta exige uma grande equipe de artistas para produzir. Isso requer a criação de um storyboard para orientar os animadores, bem como comunicar a história proposta aos produtores antes do início do trabalho de desenho real.
2
Registre uma trilha sonora preliminar. Como é mais fácil coordenar uma sequência animada com uma trilha sonora do que uma trilha sonora para uma sequência animada, você precisa gravar uma trilha sonora preliminar ou “Scratch” que consiste nesses itens: o personagem Voices Vocal para qualquer música uma faixa musical temporária. A faixa final, juntamente com quaisquer efeitos sonoros, são adicionados na pós-produção. Os desenhos animados antes e na década de 1930 fizeram a animação primeiro, depois o som. Os Fleischer Studios o fizeram em seus primeiros desenhos animados de Popeye, o que exigia que os dubladores fossem ad entre os lugares roteirizados no diálogo. Isso explica os murmúrios humorísticos de Popeye em desenhos animados como “Escolha seus weppins”.
3
Faça um rolo de história preliminar. Este rolo, ou animático, sincroniza a trilha sonora com o storyboard para encontrar e corrigir erros de tempo na trilha sonora ou no script. As agências de publicidade fazem uso de animáticas e fotomáticas, uma série de fotografias digitais sequenciadas para fazer uma animação grosseira. Eles geralmente são criados com fotos de estoque para manter o custo baixo.
4
Crie folhas de modelo para personagens principais e adereços importantes. Essas folhas mostram os personagens e itens de vários ângulos, bem como o estilo em que os personagens devem ser desenhados. Alguns caracteres e itens podem ser modelados em três dimensões usando adereços chamados maquetes (modelos de pequena escala). As folhas de referência também são criadas para os antecedentes necessários para onde a ação ocorre.
5
Refine o tempo. Analise a animação para ver o que posa, movimentos labiais e outras ações serão necessárias para cada quadro da história. Escreva essas poses em uma tabela chamada folha de exposição (folha X). Se a animação for definida principalmente como música, como a Fantasia, você também pode criar uma planilha para coordenar a animação com as notas da partitura musical. Para algumas produções, a folha de barras pode substituir a folha x.
6
Deixar as cenas da história. Os desenhos animados são dispostos semelhantes à maneira como um diretor de fotografia bloqueia cenas em um filme de ação ao vivo. Para grandes produções, grupos de artistas criam a aparência de fundo em termos de ângulos e caminhos da câmera, iluminação e sombreamento, enquanto outros artistas desenvolvem as poses necessárias para cada personagem em uma determinada cena. Para produções menores, o diretor pode fazer todas essas determinações.
7
Crie uma segunda animação. Este animático é composto pelos desenhos de storyboard e layout, com a trilha sonora. Quando o diretor o aprova, a animação real começa.
8
Desenhe os quadros. Na animação tradicional, cada quadro é desenhado em lápis em papel transparente perfurado nas bordas para caber nos pinos em um quadro físico chamado barra de pinos, que por sua vez está presa a uma mesa ou a uma mesa de luz. A barra de Peg evita que o papel escorregue para que cada item da cena seja renderizado apareça onde deveria. Geralmente, apenas os principais pontos e ações são renderizados primeiro. Um teste de lápis é feito, usando fotos ou digitalizações dos desenhos sincronizados com a trilha sonora para garantir que os detalhes estejam corretos. Somente então os detalhes são adicionados, após o que eles também são testados por lápis. Depois que tudo foi testado, ele é enviado para outro animador, que o redesenha para dar uma aparência mais consistente. Em grandes produções, uma equipe de animadores pode ser atribuída a cada personagem, com o animador principal renderizando os principais pontos, ações e assistentes renderizando os detalhes. Quando os personagens desenhados por equipes separadas interagem, os animadores principais para cada personagem trabalham qual personagem é o personagem principal dessa cena, e esse personagem é renderizado primeiro, com o segundo personagem desenhado para reagir às ações do primeiro personagem. Uma animação revisada é criada durante cada fase do desenho, aproximadamente equivalente aos “corridas” diários dos filmes de ação ao vivo. Às vezes, geralmente ao trabalhar com personagens humanos realisticamente desenhados, os desenhos de quadros são rastreados sobre fotos de atores e cenários no filme. Este processo, desenvolvido em 1915 por Max Fleischer, é chamado de rotoscoping.
9
Pinte os fundos. Enquanto os quadros estão sendo desenhados, os desenhos de fundo são transformados em “conjuntos” para fotografar os desenhos de personagens contra. Hoje geralmente feito digitalmente, a pintura pode ser feita tradicionalmente com uma das várias mídias: Gouache (uma forma de aquarela com partículas de pigmento mais espesso) [11] Aquarela de óleo de tinta acrílica
10
Transfira os desenhos para os CELs. Aborto para “celulóide”, as CELs são finas finas e claras de plástico. Como no papel de desenho, suas bordas são perfuradas para caber nos pinos de uma barra de pinos. As imagens podem ser rastreadas dos desenhos com tinta ou fotocopiadas no CEL. O CEL é então pintado no verso, usando o mesmo tipo de tinta para pintar o fundo. Somente a imagem do personagem no objeto no CEL é pintada; O resto é deixado sem pintura. Uma forma mais sofisticada desse processo foi desenvolvida para o filme The Black Ceuldron. Os desenhos foram fotografados em filme de alto contraste. Os negativos foram desenvolvidos em CELs cobertos com corante sensível à luz. A porção não exposta do CEL foi quimicamente limpa e pequenos detalhes foram tipos à mão.
11
Camada e fotografe os CELs. Todas as células são colocadas na barra de pinos; Cada CEL carrega uma referência para indicar onde é colocada na pilha. Uma folha de vidro é colocada sobre a pilha para achatá -la e depois é fotografada. Os CELs são então removidos e uma nova pilha é criada e fotografada. O processo é repetido até que cada cena seja composta e fotografada. Às vezes, em vez de colocar todos os CELs em uma única pilha, várias pilhas são criadas e a câmera se move para cima ou para baixo pelas pilhas. Esse tipo de câmera é chamado de câmera multiplane e é usado para adicionar a ilusão de profundidade. As sobreposições podem ser adicionadas sobre o CEL de fundo, sobre o personagem CELs ou em cima de todas as células para adicionar profundidade e detalhes adicionais à imagem resultante antes de ser fotografada.
12
Splique as cenas fotografadas juntas. As imagens individuais são sequenciadas como quadros de filme, que, quando executados em sequência, produzem a ilusão de movimento. [12]
Método 5
Criando animação de stop-motion
1
Prepare o storyboard. Assim como outras formas de animação, um storyboard fornece um guia para os animadores e um meio de comunicar aos outros como a história é fluir.
2
Escolha o tipo de objetos a serem animados. Como na animação de caneta e tinta, a animação de stop-motion depende da criação de inúmeras imagens de imagens a serem exibidas em sequência rápida para produzir a ilusão de movimento. A animação stop-motion, no entanto, normalmente usa objetos tridimensionais, embora esse nem sempre seja o caso. Você pode usar qualquer um dos seguintes para a animação de stop motion: recortes de papel. Você pode cortar ou rasgar pedaços de papel em partes de figuras humanas e animais e colocá-las contra um fundo desenhado para produzir uma animação bidimensional bruta. Bonecas ou brinquedos de pelúcia. Mais conhecido com produções animadas de Rankin-Bass, como Rudolph, a rena de nariz vermelho ou o Papai Noel está chegando à cidade e o frango robô de adulto, essa forma de stop motion remonta a Albert Smith e Stuart Blackton 1897 The Humpty Dumpty Circus . Você terá que criar recortes para os vários padrões labiais se apegarem aos seus bichos de pelúcia, se quiser que eles movam os lábios quando falam. Figuras de argila. A Claymation Animated, animada pela Claymation, de Will, as passas da Califórnia são os exemplos modernos mais conhecidos dessa técnica, mas a técnica remonta à modelagem extraordinária de 1912 e foi o método que fez de Art Clokey’s Gumby uma estrela de TV na década de 1950. Pode ser necessário usar armaduras para algumas figuras de barro e bases de pernas pré-esculpidas, como Marc Paul Chinoy fez em seu filme de 1980, I Go Pogo. Modelos. Os modelos podem ser de criaturas ou veículos reais ou de fantasia. Ray Harryhausen usou a animação de stop-motion para as criaturas fantásticas de filmes como Jason e os Argonautas e a viagem dourada de Sinbad. Luz industrial e magia usada animação de stop-motion de veículos para fazer com que os AT-AT atravessem os resíduos gelados de Hoth in the Empire Strikes de volta.
modelos
3
Registre uma trilha sonora preliminar. Como na animação de caneta e tinta, você precisará ter uma trilha sonora de arranhões para sincronizar a ação. Pode ser necessário criar uma folha de exposição, uma folha de barras ou ambos.
4
Sincronize a trilha sonora e o storyboard. Assim como na animação de caneta e tinta, você deseja descobrir o momento entre a trilha sonora e a animação antes de começar a mover objetos. Se você planeja ter personagens falantes, terá que elaborar as formas corretas da boca para a caixa de diálogo que elas pronunciam. Você também pode achar necessário criar algo semelhante ao fotomático descrito na seção sobre animação por caneta e tinta.
5
Deixar as cenas da história. Essa parte da animação stop-motion também seria semelhante à maneira como um diretor de fotografia bloqueia um filme de ação ao vivo, ainda mais do que para a animação de caneta e tinta, já que você provavelmente está trabalhando em três dimensões como em uma vida ao vivo filme de ação. Assim como no filme de ação ao vivo, você provavelmente terá que se preocupar em iluminar uma cena, em vez de desenhar os efeitos da luz e da sombra, como faria na animação de caneta e tinta. [13]
6
Configure e fotografe os componentes da cena. Você provavelmente vai querer montar sua câmera em um tripé para mantê -la firme durante a sequência de tiro. Se você tem um cronômetro que permite tirar fotos automaticamente, convém usá -lo se puder defini -lo por períodos suficientes para permitir que você ajuste os componentes durante a cena.
7
Mova os itens que precisam ser movidos e fotografar a cena novamente. Repita isso até concluir a fotografia de toda a cena do começo ao fim. O animador Phil Tippett desenvolveu uma maneira de ter parte da mudança dos modelos controlados pelo computador para produzir movimentos mais realistas. Chamado “Go Motion”, esse método foi usado no Império Strikes de volta, bem como em Dragonslayer, Robocop e Robocop II. [14]
8
Monte as imagens fotografadas em uma sequência. Assim como os CELs fotografados em animação com caneta e tinta, as fotos individuais da animação de stop motion tornam-se quadros de filme que produzem a ilusão de movimento quando executados um após o outro.